Annarella Bono: Conflicto de Intereses en la Cultura Pop venezolana

Que una güircha sea esposa de un militar enchufado no es noticia.
Que una güircha sea animadora y se ponga a señalar los problemas del país en una estación de televisión conocida por su autocensura cuando su marido es uno de los causantes de la desgracia que vivimos los venezolanos es una gigantesca hipocresía, no es otra cosa sino llevar a la cultura pop venezolana la sociedad de cómplices.

La reciente ola de violencia comunista contra los ciudadanos honestos que se vuelcan a las calles para manifestar su descontento fue prácticamente el detonante de los hechos. Los venezolanos se volcaron a las redes.

Yo soy fan de la cultura pop. La izquierda se apropió de la cultura pop, y en Venezuela no sólo de eso sino de todos los espacios de convivencia cívica que hay, incluido el ciberespacio. Es por ello que cuando artistas (independientemente de su talento) salen a criticar al régimen, sus fans también comparten esos pensamientos y difunden el mensaje opositor por medio del uso de las redes sociales. Hay animadores y gente del showbiz que para mantenerse a flote, se vendieron al mejor postor (tipos estilo Roberto Mesuti Roque Valero, Hany Kauam, Winston Vallenilla, Fernando Carrillo, los hermanos Primera) o mujeres como Susej Vera, y en este caso, la estrella del post de hoy, Annarella Bono. Cuando te acercas a las mieles del poder, y las saboreas y haces un virtue signaling  en medio de una crisis constitucional como este:

Pues te expones a que toda la sociedad te critique, incluidos tus antiguos colegas de trabajo.

¿Quién es Annarella Bono?

Annarella Bono es una modelo y animadora venezolana, una mujer blanca y buenaza. Fue  Chica Polar, modeló en Milano. Se dejó querer por todos por su belleza.
Animó la Copa América en Venezuela y la Feria Internacional de Turismo de Venezuela. 
Es una de las animadoras principales de “Vitrina” el talkshow matutino de Televén. Es considerada la imagen de una mujer venezolana exitosa.
También está casada con este tipo.

El marido de la sexy Annarella es un ex-edecán de Chávez

El Mayor General Antonio Morales llegó a fungir como Director  General de Administración del Despacho de la Secretaría de la presidencia (ver la gaceta, es la misma en la que prohiben ponerle el nombre de Chávez a las obras públicas fun fact trivia). Un peso-pesado- un chivo revolucionario.

Una güircha no sabe lo que son conflictos de intereses

Annarella tiene un profundo conflicto de interés, los mismos que tiene Roberto Picón, o Ramón José Medina. Al igual que esas otras dos piltrafas, se quiere hacer pasar por opositora cuando comparte cama con el chavismo.

Los conflictos de interés son aquellas situaciones en las que el juicio de un sujeto, en lo relacionado a un interés primario para él o ella, y la integridad de sus acciones, tienen a estar indebidamente influenciadas por un interés secundario, el cual frecuentemente es de tipo económico o personal.

Por más buena que esté es una colaboracionista más.
 Pese a que lo niegue, su marido tiene todos los medios para protegerla a ella y a su prole. No está separada ni divorciada de su esposo, y con el peso que tiene, seguramente la tiene vigilada, después de todo, su esposo es un vaso comunicante entre la Stasi venezolana, la presidencia y la fiscalía. Después de todo, el chavismo cuenta con infraestructura y recursos para hacer que la vigilancia de la Stasi luzca como un juego de niños.

Que una güircha sea esposa de un militar enchufado no es noticia.
Que una güircha sea animadora y se ponga a señalar los problemas del país en una estación de televisión conocida por su autocensura cuando su marido es uno de los causantes de la desgracia que vivimos los venezolanos es una gigantesca hipocresía, no es otra cosa sino llevar a la cultura pop venezolana la sociedad de cómplices.

Resulta patético que un país que se consume a si mismo busque validación de su moralidad en controversias que hacen mujeres tóxicas.

Siempre han habido seres humanos que se comportan en formas extrañas, el no aceptar este hecho es negar la existencia de las curvas de Gauss. Pero hemos visto que estos comportamientos son avalados, autorizados y promovidos por la cultura dominante y el establishment.

Eso es marxismo cultural.

Es el vivir en el “Mundo Feliz” (Brave New World) de Aldous Huxley.

Rogue One, a review

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La mejor película de Star Wars, después de El Imperio Contraataca, en mi opinión

Rogue One es una película tipo spin-off, es una historia tangencial a la trama de la Guerra de las Galaxias, la historia de la lucha épica de la familia Skywalker en una galaxia muy lejana, hace mucho tiempo.
La trama de Rogue One nos narra la historia de cómo la alianza rebelde se hizo con los planos para destruir la Estrella de la Muerte.

Tiene un arco narrativo muy interesante, el libreto me parece que está bien escrito, y el tempo de la película es agradable.
La actuación es uniformemente buena, y como toda película de la Guerra de las Galaxias, los efectos especiales son excelentes, las escenas de batalla son cruentas y violentas.
De más no está decir que esta película, que vi con mi familia me encantó.

Cuando vi el trailer pensé que iba a ser un remake de la pésima “Despertar de la Fuerza”: Una tipa que es actriz principal con más superpoderes que Darth Vader, un elenco multirracial y multicultural con una historia que gira en torno a la Estrella de la Muerte. Pero no fue así.

A diferencia de “El despertar de la fuerza” que no es más que “Una Nueva Esperanza” y “El Imperio Contraataca” metidos en una licuadora con corrección política e ideología (((hollywoodense))), (((feminista))) y (((diversa))), Rogue One rescata ciertas cosas que Disney, y (((Hollywood))) en general parecían haber olvidado: La naturaleza de lo heroico.

Rogue One nos sitúa justo antes de los acontecimientos narrados en “Una Nueva Esperanza”. Algunos personajes de las otras cintas están presentes, pero son todos cameos, esta película nos da un elenco de nuevos personajes y un nuevo arco narrativo a la ya bastante extensa saga de La Guerra de las Galaxias.
En vez de hacer un remake de los otras cintas o apelar a la nostalgia de la trilogía original esta cinta nos da algo que a los fans de Star Wars queríamos: rescatar el heroísmo de la saga.

La personaje principal es Jyn Erso, interpretada por Felicity Jones, y no es  un personaje como Rey en “El despertar de la Fuerza”. Esta muchacha fue separada a una edad muy temprana de sus padres y criada por un rebelde Jedi llamado Saw Gerrera, interpretado por Forrest Whitaker, quien le enseñó a pelear y defenderse en el arduo mundo de la clandestinidad y la lucha contra el Imperio Galáctico creado por el Emperador Palpatine y Darth Vader.
Jyn se embarcó en una vida de forajida, pero pese a este es un personaje fundamentalmente femenino, eso quiere decir que no la vemos noqueando a tipos en secuencias de pelea que pesan tres veces lo que ella, ni que hace quedar a sus contrapartes masculinas como idiotas, ni que es una estrella y modelo a seguir del feminismo.
Jyn como personaje no tiene principios, sino que piensa y actúa en términos de relaciones personales. Ella no estaba de acuerdo con la Alianza Rebelde porque se sentía rechazada por ella ya que su papá, como vemos en la cinta es secuestrado por el Imperio Galáctico para diseñar la Estrella de la Muerte.

Jyn se une a los rebeldes con la vaga esperanza de que eso podría hacer que ella volviera a tener algún contacto con su padre, algo bastante positivo. El arco narrativo realza la importancia de la figura paterna en la crianza de los hijos. Pese a esto, Jyn es capaz de mantener su heroísmo.

Pese a que el elenco sea multirracial, no hubo un intento deliberado de meter a la fuerza la palabra (((diversidad))) al emparejar a una actriz principal con un personaje negro mediocre como lo hicieron en “El despertar de la fuerza”.

Rogue One es una película para adultos, no le recomiendo a la gente que lleve a niños a ver esta cinta porque su tono es oscuro y conmovedor, con toques de humor genuino que nunca son de tono juvenil o lo suficientemente crudos para hacer que un niño se sienta atraído por ella, pese a que es de Disney y de Star Wars.
No hay Gunganos estilo JarJar Binks u ositos Ewoks.

Rogue One es un drama bélico

Los androides y clones de George Lucas fueron creados para privar a las guerras de ese mundo fantástico de pérdidas humanas reales y de hacer un sentido de abstracción de la tragedia que son los conflictos humanos de una forma muy sublime. Después de todo George Lucas se inspiró en la filosofía oriental y el sentido de cómo los asiáticos, en particular los japoneses ven el mundo para crear Star Wars, (basta con ver “La Fortaleza Escondida” y “El Cazador”, de Akira Kurosawa) .

Pero eso no lo vemos en Rogue One, en esta película no se apagan androides, en esta cinta la gente la gente se muere, y la muerte es muy, muy real, a veces súbita, inesperada y definitiva.

En el arco narrativo de George Lucas, los rebeldes son hombres, mujeres y extraterrestres prácticamente libres de pecado, no rompen un plato y son incapaces de cometer algún crimen, pese a que están en franca rebelión contra los poderes constituidos y buscan destruir el orden establecido. En Rogue One, los rebeldes son como realmente deberían ser retratados: guerrilleros insurgentes, bandidos, criminales, asesinos, saboteadores, ladrones y delincuentes, tan cruentos y capaces de asesinar como las mismísimas huestes del Imperio Galáctico al servido de Lord Vader y el Emperador Palpatine.

Diego Luna interpreta a Cassian Andor, un espía cruel, un sicario de la Rebelión con un propósito claro en el arco narrativo y lo hace muy bien.

En los filmes de George Lucas, los Gunganos y los Ewoks representan ese weltanschaaung tercermundista fantasioso de que los primitivos son capaces de triunfar sobre las máquinas de guerra avanzadas con arcos, flechas y piedras. En Rogue One, los rebeldes pelean con armas y la lucha es dura, encarnizada, sangrienta y cruel: tal cual como lo es la guerra, hasta que llega la Estrella de la Muerte y los vaporiza.

Todo ese terror tecnológico no tiene parangón al compararlo con La Fuerza, esto es Star Wars, después de todo, vemos como Lord Vader usa la fuerza y eso nos recuerda que este es un mundo donde los superpoderes son una ventaja enorme sumada a la tecnología.
En Rogue One hay un par de escenas en la que se ve el famoso sable de luz de los Jedi y por la forma en la que dicho sable es utilizado, se nos recuerda que los sables jedi le ganan a las pistolas de rayos láser.

De esta cinta vale la pena mencionar varias cosas:

  • La entrada por la cual Luke Skywalker lanza el misil en episodio IV es un diseño defectuoso hecho a manera de sabotaje.
  • La capacidad de los gráficos por computadora resucitan a Peter Cushing para interpretar a Grand Moff Tarkin, si usaron esa tecnología para poner a Tupac Shakur a rapear, también sirve para interpretar un gran papel.
  • LA BATALLA ESPACIAL ES ABSOLUTAMENTE VIOLENTA. (Mayúsculas colocadas a propósito)
  • Gareth Edwards, quien dirigiera el remake de Godzilla se lució.
  • Los últimos instantes de la película son particularmente intensos, conmovedores y llenos de sorpresas, en donde otros filmes hubiesen concluido, esta cinta nos da mucho más.
  • No hay ningún tipo de propaganda (((comunistoide)))

Los contras:

  • John Williams no hizo la banda sonora.
  • Darth Vader merecía más tiempo en escena aunque los breves momentos que está son suficientes para darle a la película un toque de frialdad propio del Imperio Galáctico.
  • Si el escudo planetario en el planeta Scarif podía impedir que Jyn transfiriera los planos de la Estrella de la Muerte, ¿por que no impedían que Bodhi Rook contactara a la flota rebelde para que les informara que estuvieran al tanto y pendiente de esperar la comunicación de Jyn?

Rogue One es muy, muy superior que “El Despertar de la Fuerza” y considero que Disney debería considerar no seguir haciendo continuaciones a esa película y hacer más películas como Rogue One. 

Al final de la “Venganza de los Sith”, el espectador queda con cierto placer al saber que se va de la sala de cine familiarizado con los eventos que siguen a continuación. Al concluir Rogue One, uno ser siente con la misma sensación ya que prácticamente hace conexión directa con “Una nueva esperanza”. Pero las batallas feroces y los sacrificios temerarios le dan a la rebelión un sentido de seriedad sublime que no conocíamos de esa facción en el mundo de Star Wars, y esto cambia para siempre la forma en la que vemos “Una Nueva Esperanza”.

Es por ello que Rogue One no es sólo una gran película por si sola. Sino que eleva y profundiza la trilogía original de George Lucas.

La metapolítica de: The Angry Birds Movie

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Angry Birds es un videojuego diseñado para teléfonos móviles diseñado por una compañía de origen finlandés llamada Rovio Entertainment en el año de 2006, el juego se volvió rápidamente en un éxito comercial y cerca de 7 secuelas han surgido, la película, a la que haré referencia el día de hoy es una producción de este año, hecha en animación por computadora en 3D, su producción es una bastante inusual a la que estamos acostumbrados por parte de la industria del entretenimiento (((Hollywoodense))), por el mensaje político que encierra: Ese de los peligros que la inmigración trae consigo. La cinta, que corre en poco más de hora y media nos narra la historia de Red, un pájaro malhumorado y ensimismado que vive en una casa que él mismo construyó en la orilla de una isla repleta de aves felices, despreocupadas e incapaces de poder volar.

Distintos en temperamento y en apariencia, las aves se burlan constantemente de Red al decirle “Cejijunto”. Red tiene un trabajo que detesta y después de descargarse sus frustraciones laborales de forma violenta con un cliente, es enviado a la corte y ese tribunal lo sentencia a cumplir con un programa de terapia del control de la ira.

Tras su sentencia, Red es considerado el hazmerreír de todos y se siente frustrado, repleto de rencor de todos los ridículos pajarracos que le rodean.

Red es recibido en un centro para el control de la ira regentado por una ave de género femenino, que luce exótica y es absolutamente ridícula y exagerada en sus procederes, que decora el sitio de trabajo con arte “moderno” y estatuas de origen oriental para llenar su vacío cultural.

Un día, un barco tripulado por cerdos llega a las costas de la isla donde vive Red y destruye su casa en la orilla de la playa, Red se queja aireadamente pero a ningún otro habitante de la isla le importa porque no le tienen ningún tipo de simpatía a Red. Los cerdos son recibidos con bombos y platillos por parte de los otros habitantes e ignoran las advertencias de Red, que siente desprecio, rencor y sospecha de los motivos ulteriores de los recién llegados.

Red en su curso de rehabilitación de ira esculpe arte heroico, muchos se burlan de él. Mientras otros pájaros pintan arte moderno y degenerado (incluso hay una referencia a Jackson Pollock) Red pinta escenas de fortaleza, repudio hacia los inmigrantes musulmanes cerdos.

Mientras se dan las celebraciones de bienvenida para los cerdos, Red se infiltra en el barco y se topa con la realidad: No es un par de cochinitos bienintencionados los que tripulan el barco sino que es toda una población porcina. Cuando le echa el cuento a todos las demás aves, Red es acusado por sus pares, sus iguales, de ser un promotor de odio, intolerancia y es considerado aún más ignorante de lo que ya era.

Con el pasar de los días, los cerdos se integran a la vida diaria de la isla, cuidan a los pajaritos, hacen shows en donde entretienen a los pájaros, y establecen relaciones de poder con las autoridades que les permiten establecer las normas de dominación cultural del nuevo espacio cívico que están controlando. Mientras Red pregunta alarmado a la comunidad de aves si los cerdos “están de paso o vinieron para quedarse”, la sociedad le ignora y lo aísla aún más.

Red empieza a darse cuenta de una serie de cosas: Mientras el disfrutaba la tranquilidad de la playa, en donde vivía solo sin nadie que lo molestara, esa tranquilidad es destruída por la construcción de un muelle para que lleguen más barcos con más cerdos, Red no puede dormir por la cantidad de ruido que hacen los invasores inmigrantes y no puede disfrutar de bañarse tranquilo en la orilla de su playa porque ahora los cerdos la usan de balneario con bullicio.

Red decide iniciar una empresa con sus compañeros que conoció en el curso de control de la ira en búsqueda de un personaje conocido como Águila Poderosa, en un lugar muy recóndito de la isla. El Águila Poderosa es el protector legendario de la isla de las aves, y muchos de sus habitantes creen que no existe. Después de una travesía costosa, se topan no con un ave poderosa sino con un pajarraco con sobrepeso, vulgar, repleto de defectos, que en vez de proveerles con sabiduría y consejos, solamente alardea de cuan exitoso en algún momento fue. Al darse cuenta de que su viaje fue completamente inútil, Red decide regresar al pueblo, pero lo hace en un momento en el cual los cerdos deciden hacer una fiesta para atraer a todos los habitantes y tenerlos completamente distraídos en el evento mientras otro grupo de cerdos se roba todos los huevos de los pájaros, huevos que contienen el futuro y la descendencia de la población autóctona. Al tiempo que secuestran al futuro de la isla, saquean y roban los hogares de las aves. El objetivo de los cerdos es el de robarse los huevos para después comérselos.

Cuando las otras aves vieron que sus hogares fueron saqueados, su cultura destruida y su descendencia secuestrada, los pajarracos desmoralizados y dolidos acuden a Red, ese que advirtió de los peligros que implicaba la llegada de los inmigrantes musulmanes cerdos a Occidente la isla de los pájaros. Red se da cuenta del rol de líder que le toca cumplir y absuelto por la historia y la verdad le enseña a los pájaros que está bien enojarse.

Los pájaros reúnen los pocos recursos que les quedan y deciden navegar hasta la isla de los cochinos e inician un asedio para recuperar a los huevos en la forma que es familiar a aquellos que en algún momento hayan jugado Angry Birds.

Cuando Red se enfrenta con el líder de los cochinos, un Cerdo con un corte de barba muy a lo musulmán llamado “Rey Barbapantano” y le reclama que no se puede comer los huevos, el Rey le responde que él no puede ser culpado por ello ya que es un “sibarita”- El mensaje metapolítico es claro: no juzguemos a otras culturas. Con la ayuda de otras aves y el esfuerzo y la valentía de Red, los pájaros rescatan a los huevos, y la sociedad le agradece reconstruyendo su casa en la ciudad, cerca de todos, Red cambia su malhumor y la sociedad se reconcilia con él.

De la misma forma que Rebelión en la Granja de George Orwell es una gran fábula que satiriza a la Unión Soviética durante la era de Stalin, Angry Birds satiriza a la Europa contemporánea

La metapolítica de esta cinta es bastante directa, e impactante, ya que resulta casi increíble que una producción de este tipo se haya distribuido en países como Europa y Estados Unidos, en donde la corrección política como gramática y credo europeo de auto-intolerancia gobiernan las mentes de los medios de comunicación. En esta película no vemos como dos culturas completamente distintas hacen un esfuerzo por entenderse, y llegar a un acuerdo sobre quien, y en cuáles términos va a establecer las normas de dominación cultural de los espacios cívicos. En esta cinta, los musulmanes cerdos, saben exactamente lo que están haciendo, y hacia dónde pretenden llevar sus intenciones. De igual manera, las aves no recuperaron sus huevos negociando cuotas con los invasores, fueron a donde ellos estaban y obliteraron la isla de aquellos que trajeron pillaje y destrucción del acervo cultural de las aves.

Pese a que los espectadores no vemos esto, los pájaros hacen referencia a los peligros que implica el arriesgar la vida y la certeza de quizá morir defendiendo lo que les pertenece. Si ven la cinta podrán ver que la isla de los cochinos es destruída con fuego y explosiones, lo que seguramente implica que en ese sitio hubo muchos cochinos que perecieron, así no lo hayamos visto, eso es algo que definitivamente ocurrió.

De la misma forma que Rebelión en la Granja de George Orwell es una gran fábula que satiriza a la Unión Soviética durante la era de Stalin, Angry Birds satiriza a la Europa contemporánea: Tenemos una isla (Europa) que supuestamente debe estar protegida de sus agresores por un águila (EEUU), pero esa águila es obesa, floja y desconectada de la realidad en la que viven los pájaros (Europeos). Los cerdos son una obvia referencia al Islam y su ideología genocida. Red es un ultraderechista, retrógrado, fascista, ignorante, y malhumorado (curiosamente todo de lo que tildan a aquellos que proclamamos tener algún tipo de in-group preference), que es perseguido por sus propios líderes y que los otros pajarracos condenan al ostracismo y le reiteran que su opinión no importa.

En el discurso político contemporáneo lo mismo ocurre desde el establishment hacia la derecha: Una especie de execración y ostracismo intelectual que realmente revela lo retrógrados que algunos de estos individuos pueden llegar a ser. Cuando Red cuestiona la llegada de los musulmanes cerdos y ve que su comunidad lo castiga por no pedir disculpas por expresar su imperativo moral de existir, su deseo de conservar el orden natural de las cosas previa a la llegadas de los cerdos, la reacción de las aves es hacerlo sentir como si estuviera padeciendo de alguna enfermedad extraña en la cual hay que aislarlo de otros para evitar que sus ideas “contagien” a los demás. Red se desconcierta ante el hecho de que sus procederes sean castigados y luego se llena de valor, vigor y sentimiento cuando ve que los mismos que lo castigaron acuden a él tras la debacle.

Angry Birds es, sin duda alguna, una película para niños y pese al lenguaje en ocasiones procaz que se puede encontrar en algunos de sus parlamentos, las escenas subidas de tono y alguna que otra referencia a iconos de la cultura sexual (como el libro de “Cincuenta Sombras de Verde” en una recámara del barco de los cerdos), es una cinta que seguramente cualquier niño disfrutaría, y a la que seguramente muchos padres les hará reflexionar mientras sus hijos se entretienen mientras comen cotufas y toman refrescos.

¿Arte transgresor o vandalismo?

[Esto lo escribí oyendo Wagner, Strauss y Mahler dirigidos por Gustavo Dudamel]

Actualmente me encuentro muy ocupado entre el trabajo privado y las academias, he participado mucho en el activismo online por la derecha alternativa y llevando adelante esa agenda, toda vez que hago labores de docencia, investigación y extensión en mi Alma Mater, la ilustre Universidad Central de Venezuela.
Estoy desarrollando una serie de artículos sobre el asidero neurocientífico de las ideas políticas en mi blog que en algún momento terminaré así como explicar cómo la izquierda nos arrebató la cultura pop, el arte, y los espectáculos, que le pertenecen a la civilización occidental como medios de esparcimiento, cultura y recreación para ser invadidos por “intelectuales” con una agenda marxista cultural.
Las redes sociales son una forma maravillosa de hacernos dar a conocer, compartir con nuestros amigos y seres queridos y de hacer activismo, yo particularmente uso las redes para lo que me interesa y me abstengo con frecuencia de comentar cosas que me desagraden, pese a que nuestros amigos de la National Security Agency y otras agencias de seguridad estatal les encante revisar nuestros ordenadores e invadir nuestra privacidad, hay cosas que llegan a nuestras redes sociales que es imposible no comentar.
Quiero hacer referencia a esta instantánea de un tipo llamado “Aisak90” en la red social instagram, imagen que fue capturada antes de que la borrara y generara el fuerte rechazo por parte de la sociedad.
La imagen es esta:

 


En ella vemos al individuo encaramado encima del Pastor de Nubes de Jean Arp, en la Ciudad Universitaria de Caracas. Como estamos en el mundo de las redes sociales, la imagen se hizo viral y llegó a mi timeline. El rechazo de la sociedad, y de los ucevistas en particular no se hizo esperar. Y este escrito tiene un poco que ver con eso.
El tipo en cuestión borra la imagen y escribe un post en su blog en el cual justifica su acto vandálico catalogándolo de “arte transgresor“, una corriente artística que busca ofender al observador toda vez que hace llegar un mensaje.
La cosa va más allá de que el tipo se haya moneado en una escultura que está en mi sitio de trabajo y que es patrimonio cultural de la humanidad. La cosa es que este tipo, quizá de forma consciente o inconsciente, se considera un modernista y busca romper con cánones hegemónicos artísticos. Su trabajo es, en esencia, un acto “revolucionario”.

¿Desde cuando el arte “modernista” llegó a verse como completa e implacablemente hostil con el pasado?

El problema no yace en que este “artista” quiera un medio nuevo y fresco de expresión – todos los artistas quieren eso – el meollo del asunto, el problema con esto es queso clamor se mantiene con una clara oposición al pasado, queriendo dar a entender que el pasado, incluso el más reciente (porque el Pastor de Nubes es arte moderno, aunque a juzgar por como escribe en sus redes sociales es capaz de monearse y grabarse en snapchat bailando reggaetón con la victoria alada de Samotracia si pudiera) no tuviera nada que enseñarle al artista.

Ese atributo “moderno” tan afín a la vida parisina tras el ancien régime” y la revolución es clave para que podamos entender que la evolución artística moderna es un alzamiento político, no sólo contra la sociedad burguesa en general pero en contra de la misma sociedad que fue influenciada por una jerarquía que desciende de la aristocracia europea, en contra de cualquier noción idealista que propague las ideas de la belleza intrínseca o de la calidad artística.
El acto artístico debe adoptar la configuración de la línea, el arte del delineante como pieza crucial para que el arte tenga significación y carezca de indulgencia, algo que debe ser dominado de forma tal que pueda ser dispensado después de actuar. Por eso los buenos actores, a los que se buscan superar como actores buscan salir de su zona de confort y buscan interpretar papeles completamente distintos a su personalidad en el escenario.
El arte debe dominar y ordenar experiencia con relación a un gesto creativo de forma tal que no tenga que depender de impresiones sensoriales de forma pasiva o excesivamente afeminadas. El observador del arte debe estar al tanto de la noción del arte como forma de coordinación jerárquica. Si entendemos al arte como una forma masculina, hierática, religiosa y ocasionalmente espiritual, (la dimensión espiritual de la vida en el arte no puede ser ignorada), el arte debe tener estética en el sentido de que es el reconocimiento de la pureza del proceso creativo del hombre. El hecho de que el arte tenga un elemento genuinamente apolítico atado a él, y que el arte se fundamenta en la iniquidad natural de los hombres, la iniquidad es la base de toda actividad artística genuina.

 

 La búsqueda de la igualdad radical en las artes significa la destrucción de todas las formas de arte posible


La naturaleza es justa en la distribución de defectos y virtudes, no todos podemos tocar un instrumento, memorizar parlamentos, o dibujar, hay gente que tiene excelentes capacidades artísticas que a su vez tiene terribles defectos en otras áreas. Y es por eso que toda actividad artística se predica sobre la base de la iniquidad humana. La búsqueda de la igualdad radical en las artes significa la destrucción de todas las formas de arte posible.
Este “artista” con su obra “transgresora” busca, por una parte romper con lo tradicional del arte. Bien sea que el término se use en un sentido de narrativa social o descripción marxista. Pero realmente creo que este tipo no tiene con que reemplazar el arte tradicional.
El se define a si mismo como una obra de arte, toda vez que describe su obra como “transgresora”, el arte transgresor se supone que debe ser repulsivo con la finalidad de dar a entender algún mensaje. Aquí el mensaje pareciera ser claro: ¡Eres un vándalo y das asco! Tu arte es degenerado, antiestético, carente de propósito y sentido.

El arte tiene que tener estética. Si no, no es arte.

La instantánea de este ser, que se hace llamar “artista”, que dice que su cuerpo es arte no es otra cosa sino vandalismo. Es como si Banksy hiciera un grafiti de una rata con una toga y birrete en la superficie de la escultura de Jean Arp:  El arte, no es subjetivo, el arte no es lo que tú creas que es arte.
La estilización que logra una bailarina de ballet es aquella de dar la impresión de no tener peso alguno, el ballet, por ejemplo no distorsiona ni el cuerpo ni sus alrededores, sino que selecciona una serie de movimientos que son posibles y los exagera, haciendo gran énfasis en su belleza por su naturalidad y por eso es que es un hermoso arte. Porque proyecta una especie de fragilidad toda vez que requiere de enorme fortaleza e increíble precisión.
La belleza posee un sentido de armonía, sea el de una imagen, un rostro o un cuerpo. Decir que el arte “está en los ojos de quien lo ve” es una afirmación subjetiva, si se toma de forma literal. No es cuestión de lo que tú, por equis o por ye, pienses o consideres o valores como bello u horrendo, sino porque los valores se crean al observar la conciencia. Pero se crean con base a un estándar cuyo asidero es el de la realidad. Por lo que el asunto pasa a ser éste: La belleza tiene que ser juzgada objetivamente, no de forma subjetiva o intrínseca.
Los artistas reales no fingen la realidad sino que buscan estilizarla.

Este “actor” puede preciarse de tener los bíceps, pectorales, abdominales y muslos perfectamente definidos para buscar estar en forma, de lo que no se da cuenta es que lo que está fuera de forma es su mente y la clase de intelecto que posee. Sólo dando un vuelo rasante por su redes sociales puede mistificarse a sí mismo sobre el prospecto o esperanza de que su vida tenga algún propósito o esencia. Quizá como “actor” no se da cuenta de que sus ideas buscan destruir todo tipo de concepto ideal de afirmación cultural positiva y lo peor del caso es que no sabe con qué reemplazarla.

¿Que se puede encontrar después de este acto de vandalismo?
Nada.
Sólo el hecho de que creer que no forma parte de una sociedad, que sus demostraciones públicas de individualismo buscan reemplazar la cultura civilizada que implica y se identifica como ucevista, caraqueña y venezolana (el tipo es graduado de la UCSAR). Este “artista” busca reemplazar lo existente con su propia cultura, que es tan pero tan libre, libertina y liberal libertaria que no vale nada en lo absoluto. Es un puñetazo en el agua de la orilla de una playa, son cenizas en pleno vendaval y lo que quede de eso, es lo que él piensa que es la creatividad libre y universal.
En su escrito, el “artista” denuncia la hipocresía de la sociedad, la cosa es que la hipocresía es la de él, que predica un arte que no es arte.

Y es aquí donde te dirijo la palabra personalmente: Aisak Ovalles.
Si a ti te parece que “mueves, enciendes, y erradicas la pasividad” del egresado ucevista y del caraqueño al monearte en el Pastor de Nubes, no lo haces. Has levantado el más amplio repudio, desprecio y rabia de la comunidad universitaria. Quizá no lo sabes, o quizá si, pero eres un títere de la izquierda marxista cultural.
Criticas de forma soberbia a los demás que piensan que el Pastor de Nubes es un nicho para tomarse una foto. Lo que no sabes, ni entiendes, porque no eres ucevista, es que vale más estar DEBAJO de las nubes, que encima de ellas. Que la foto en el Pastor de Nubes representa años de esfuerzo y arduo trabajo de miles de venezolanos que se han quemado las pestañas estudiando para crear conocimiento, trabajo y crear riqueza.
Nos preguntas a los ucevistas que “cuantas veces hemos fornicado en la tierra de nadie”. Yo te puedo responder por mi. CERO. Ninguna. Yo no hago de mi sexualidad un espectáculo, a diferencia tuya.
Nunca he permitido que nadie se encarame en murales y hasta me caí a golpes en varias ocasiones con gente que como tu, creen que los espacios de la Casa que Vence la Sombra son para hacer lo que les dé la gana: Cuando el Caracas FC le ganó la Copa Venezuela al Deportivo Táchira, me entré a puñetazos con unos marginales que cortaron la red de la arquería para tenerla de souvenir, cuando el chavismo perdió la Escuela de Trabajo Social y Sociología, que se dieron a la tarea de meter motorizados armados en la Plaza Cubierta el día de las elecciones, allí estaba yo con mis compañeros en defensa de nuestro patrimonio.
Me ofende tu obra, me repugna tu proceder vandálico en mi sitio de trabajo. Ya que te crees superiormente moral a todos los demás, obviando la labor del personal obrero, administrativo y docente que hace vida en esta casa de estudios para sacar al país adelante con carreras productivas. El tipo de cultura de lo que llamas arte no tiene ningún tipo de relación con el arte. Y está condenada a fallar, porque descansa de forma muy esperanzadora en tu propia imagen de auto-gratificación, un proceso que para aquellos que estamos fuera de tu trastornada mente es imposible de entender.
Lo que se requiere para entender la metapolítica de tu obra, que forma parte de ese marxismo cultural que infecta a nuestra sociedad, es comprender verdaderamente lo que es el arte. En particular con relación a lo que Wyndham Lewis hizo referencia en “El demonio del progreso en las artes”, ensayo en el que se esbozan varios principios de excelencia artística, todos los cuales involucran expresión creativa, interpretación literaria y un radical conocimiento previo.

Esta foto la tomé unos días después de la restauración del Pastor de Nubes. Ahí lo vemos, pulido, brillante, y sin un delincuente encaramado encima.

Alberto R. Zambrano U.
Profesor UCV

La metapolítica de Tintin

Tintin

Éste es el tercer artículo que escribo sobre héroes, e historietas, el primero lo puedes leer aquí, y el segundo lo puedes leer aquí.

Tintin es el personaje central de una serie de historietas desarrolladas por Georges Prosper Remi (mejor conocido como Hergé), en ellas se narran las aventuras de Tintin, un periodista de investigación radicado en Bélgica que viaja por el mundo con su perro Milú y las amistades que desarrolla a lo largo de los múltiples arcos de historias que Hergé desarrolló a lo largo 23 libros escritos en un período de 47 años, traducidos en 58 idiomas y con millones de copias vendidas.

Hergé nació en Bélgica a principios del siglo pasado en una familia católica blanca de clase media, comenzó su carrera en las artes gráficas como ilustrador de revistas de escultismo donde desarrolló su primer cómic y menos conocido, Las Aventuras de Totor, poco tiempo después comenzó a trabajar en el periódico Le Vingtième Siècle (El siglo XX), una publicación de corriente nacionalista católica, dirigida por el sacerdote católico Norbert Wallez, quien comisiona a Hergé a hacer una tira cómica para el suplemento de historietas de esa publicación, Le Petit Vingtième. 
Hergé comienza en Le Petit Vingtième ilustrando historias escritas por otras personas, hasta que Wallez se da cuenta de su potencial, y lo invita a escribir una historieta que buscara influenciar a la juventud en el pensamiento conservador nacionalista belga.

El diario Le Petit Vingtième tuvo como corresponsal en su momento a Leon Degrelle quien fuera luego el líder del movimiento fascista belga, según algunos autores nacionalistas, Hergé se basó en Degrelle para desarrollar el personaje, y se basan en el parecido físico de Tintin, su vestimenta y procederes, estas afirmaciones tienen un asidero en las declaraciones que dio Hergé el 30 de diciembre de 1975 en las cuales dijo que Leon Degrelle lo había introducido al cómic, unas declaraciones que persiguieron a Hergé durante mucho tiempo pues ciertos demográficos que ganaron la Segunda Guerra Mundial consideraron que su obra estaba cargada de odio y propaganda fascista. Razón por la cual Hergé es considerado un tema tabú en muchos círculos intelectuales del liberalismo, ya que toca temas que eran contemporáneos para la época.

Tras la invasión alemana de Bélgica, el diario fue cerrado por ser de abierta corriente a favor de la Iglesia, que era considerada un factor desestabilizador por las fuerzas de ocupación alemanas. Hergé decide aceptar la oferta de trabajo que le dan en el diario Le Soir, uno de circulación mucho mayor en Bélgica y decide escribir historietas menos cargadas de contenido político.
Hergé tuvo que sufrir una transformación política para poder mantenerse a flote como caricaturista en los medios donde se desenvolvía, la corrección política, el desprecio por los nacionalismos y la guerra llevaron al autor de exaltar los aspectos más heroicos y patrios en su obra inicial a pasar a tocar temas que causaban mucha menos controversia, toda vez que la presión de sus editores por cambiar y alterar el contenido de sus caricaturas para hacerlas más políticamente correctas de modo tal de que ciertos demográficos y grupos de presión no se sintieran ofendidos.
Hergé, quien describió a Norbert Wallez como “el hombre que me hizo darme cuenta de quien yo era”, que se vio influenciado por Leon Degrelle y el nacionalismo europeo tuvo que adaptar su discurso hacia uno más liberal, a tal punto que le cuenta a Numa Saddoul en su libro “Tintin y yo” que mucho de lo que el escribió fue el “resultado de estar rodeado de una sociedad burguesa”.

Más allá de las orientaciones y evolución política del autor a lo largo de los años, en las aventuras de Tintin podemos ver cómo Hergé destiló aspectos de la política, las guerras civiles europeas, su vida y la vida diaria de los europeos.

Tintin es un personaje audaz, se enfrenta a múltiples peligros, retos, acertijos, intrigas y conspiraciones y sale airoso de ellas, ataviado en clásicos pantalones de golf, chemisse de cuello blanco y suéter azul, se nos presenta como un personaje étnicamente blanco europeo. Hergé definió a Tintin como una proyección de si mismo, un héroe sin miedo o defectos. En Tintin yace el deseo consciente de que el héroe no tiene defectos, que es un hombre que no se adapta al mundo sino que hace que el mundo se adapte a él.
Buena parte de los aspectos más derechistas de Tintin tienen asidero en la formación católica conservadora de Hergé y el entorno nacionalista en donde él se tuvo que desenvolver. La profunda influencia de su amigo Norbert Wallez, llevó a Hergé a desarrollar los aspectos más duros y heroicos de Tintin en ese cómic.
El concepto de lo pecaminoso atormentó a Hergé durante décadas, incluso acudió a un psiquiatra para atender sus deseo e impulsos de pureza, se confesaba amante del color blanco y lo desarrolló magistralmente en obras como “Tintin en el Tíbet”, que se concatena con la crisis personal por la que atravesó Hergé luego de separarse de su esposa para hacer vida con una asistente de su taller.
La estética en la obra de Hergé en Tintin está preciosamente ilustrada con un gran detalle casi obsesivo, desde las calles de Ginebra en “El Asunto Tornasol”, pasando por los anuncios y pósteres en mandarín cuando Tintin está en la China, y los detalles estéticos de las etnias norteamericanas y suramericanas, Hergé se asesoraba muy bien en materia de ilustración para poder escribir el arco narrativo y las ilustraciones de sus novelas gráficas, pero no viajó a los sitios a los que Tintin viajaba en sus aventuras. Hergé decidió quedarse en su entorno europeo para narrar sus historias en vez de someterse al caldo de cultivo multicultural que lentamente destruye a la civilización occidental.
La modernidad era un concepto que aterraba a Hergé, para él, la idea del futuro moderno era aterradora, el shock de lo nuevo lo asustaba, sin embargo esa fobia no lo hizo ocultarse del mundo. No todo lo que estaba por venir en ese nuevo mundo contemporáneo habría de ser malo, sin embargo, como conservador en su fondo, advirtió el derrumbe de la civilización occidental tras haber visto lo que pasaba en la Europa donde le tocó vivir, el mayo francés de 1968, la liberación y la nueva izquierda de la escuela de Fráncfort, aspectos que desarrolló muy poco en sus cómics pero si comentaba en entrevistas que le hacían.

 

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La primera aventura de Tintin fue comisionada por sus jefes y se tituló “Tintin en el país de los soviets”, en ella, Tintin y su perro se enfrentan a los criminales procederes del marxismo.
La novela gráfica hace una descripción de la miseria, hambruna y bancarrota moral que supone el comunismo. Esta primera aventura fue la única de Hergé en no ser una historieta a color y durante muchos años, en muchos círculos de la Europa tanto occidental como oriental estuvo relativamente oculta por ser francamente adversa a la ideología criminal que representa el comunismo.
Tintin en el país de los Soviets refleja de una manera muy humorística esa extraña doctrina de no-exultación que es inherente a todos los regímenes comunistas, que exaltan el valor y la fortaleza del trabajo y de la capacidad productiva de los hombres toda vez que son incapaces de producir nada. Quizá uno de los más ilustres ejemplos lo vemos cuando un comisario político de esos que solían abundar en la URSS da un tour a un grupo de marxistas ingleses que están de visita en Moscú para ver las maravillas del Valhalla socialista, y les muestra lo eficaces que son las fábricas y el poder industrial del soviet, y Tintin descubre que es una mera pantalla: El humo que producen las chimeneas de la fábrica es una hoguera de paja, y el ruido de la maquinaria es un tipo golpeando una placa de metal con unos martillos.

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Los comunistas tienen una concepción muy particular y extraña de los procesos democráticos; Marx y Engels tomaron de las reflexiones de los antiguos griegos los aspectos más básicos y los juntaron con la creencia cuasi religiosa de que su doctrina es una realidad histórica, que en el caso de que no llegue una revolución sangrienta de las clases trabajadoras, llegaría un momento en el cual ellos habrían de juntarse en torno al juego democrático y habrían de votar al partido comunista para que éste, una vez en el poder, desmantelara la democracia y se instaurara la dictadura del proletariado.

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En estos tres cuadros podemos ver cómo las democracias participativas y protagónicas (de las que los comunistas son campeones) se apoderan de las armas para poder gobernar a esa masa amorfa que llaman “pueblo”, y se hacen con todo el poder en lo que respecta a la toma de decisiones inherentes a poder gobernar, planificar, monitorear y dirigir la vida de los demás.
En esta novela gráfica, Hergé muestra la juventud la realidad innegable del comunismo: Una doctrina que pone el destino de los pueblos a los aspectos más degenerados, trastornados y deformados moralmente de la sociedad en nombre de la igualdad y la humanidad. Era la época de Stalin, de los campos de concentración del Gulag siberiano, el terror rojo, las hambrunas y de los fusilamientos por estar fuera de tono con la mayoría revolucionaria.

La segunda entrega de las aventuras de Tintin es quizá una de las más criticadas por la intelectualidad liberal occidental, tiene por título “Tintin en el Congo”, fue escrita por Hergé en el contexto en el cual la colonia del Congo Belga necesitaba desesperadamente de trabajadores blancos que poblaran una región repleta de adversidades y con profundos conflictos sociales producto del choque de una civilización moderna con una atrasada y primitiva como lo son las tribus africanas, por lo que los editores y jefes de Hergé consideraron que sería positivo que la juventud se interesara en los territorios coloniales como parte de la labor educadora de exaltar los valores nacionalistas del pueblo belga. Muchos críticos de Tintin califican a esta novela gráfica de racista porque explora los aspectos más básicos de lo que fue la colonización belga de ese territorio africano, que se fundamentó en lo que se llamó “la trinité coloniale”, “trinidad colonial” conformado por el Estado, las misiones de la Iglesia y las corporaciones privadas. Tintin viaja a hacer un reportaje sobre el Congo Belga y se topa con una trama de corrupción y tráfico de diamantes liderada por el mafioso americano Al Capone. En esta aventura podemos ver como se hacía crítica a la naciente y dañina influencia del expansionismo norteamericano desde los ángulos del orden conservador europeo, que se veía amenazado por ese naciente y pujante estado. Se retrata al brazo corporativo corrupto de la nación estadounidense, la bondad paternalista del colonizador europeo, y la ingenuidad del africano colonizado. Hergé nos presenta a Tintin como él, un aficionado del escultismo, un Boy-Scout, que le gusta explorar territorios desconocidos. Mientras Hergé no salía de su Europa natal, Tintin daba vueltas al mundo.

 

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Quizá uno de los temas más criticados desde siempre de Tintin fue su aventura por el Congo, que pasó de ser abiertamente tildado de racista por presentar a los africanos como desorganizados, violentos e ingenuos, lo que muchos no saben es que Hergé sólo se basó en una sola fuente literaria para poder construir su historia, y francamente era más que suficiente para poder contar una historia de niños que buscara entretener. Georges Remi no estaba haciendo una tesis doctoral de múltiples fuentes de revisión arbitrada para contar que pasaba en el Congo Belga, simplemente era un caricaturista que narró la historia desde el punto de vista que consideró importante para su momento, eso no lo hace racista, ni intolerante.
Muchos publicistas escandinavos y de otras latitudes se rehusaron a publicar Tintin en el Congo porque consideraban que su contenido era políticamente incorrecto por mostrar intolerancia, paternalismo y discriminación hacia negros; los publicistas más atrevidos buscaron incluso cambiar algunos de los cuadros en los cuales Tintin se desempeñaba como cazador furtivo de grandes presas.

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Si quienes me leen piensan que las controversias de Cecilio el León, Harambe el gorila que fue sacrificado para salvarle la vida a un niño que se cayó en un pozo recientemente en un zoológico de Estados Unidos, y los demás procederes leguleyos de los defensores de los animales en contra de tradiciones de 481 años como el Toro de la Vega, son cosa reciente, en los años setenta, un grupo de progresistas escandinavos forzaron a Casterman, la editorial que publica la obra a color de Hergé a modificar una serie de cuadros de la página 56 del libro de las aventuras en el Congo, en el cual Tintin taladra un hoyo un rinoceronte y lo detona, y sustituirlos por una serie de cuadros en los cuales el rinoceronte se asusta y sale corriendo porque el rifle de Tintin se acciona de forma accidental. Todo este sinsentido de la corrección política fue hecho con el pretexto de que el arco narrativo original era muy violento para la segmentación y audiencia a la cual estaba dirigida el libro, esto, es obviamente una excusa muy mala ya que el motivo ulterior de este tipo de acciones es controlar lo que los autores son capaces de poner en el papel.
La corrección política es un culto aislador de auto condenación que busca censurarnos y condenarnos para que no expresemos lo que todos pensamos de forma natural, todo en el nombre de la “cortesía y buenas maneras”. Los animalistas, los defensores de las minorías y demás progresistas consideran que la obra de Hergé no debe ser publicada porque retrata cosas que ellos consideran perturbadoras y cuya mera existencia les causa pánico y nervios.
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Muchos de los cuadros en varias novelas gráficas de Hergé tuvieron que sustituir a figuras de personajes negros por hombres blancos europeos para satisfacer los caprichos de un grupo de personas que se sentían ofendidas de que fuera posible ver a negros y otras minorías; precisamente los mismos que pidieron hacer estos tipos de cambios son los que siguen la narrativa de que las desigualdades sociales que tienen los negros se deben de forma exclusiva a la esclavitud y que los blancos deben ser hallados culpables de los errores cometidos por sus ancestros de la era colonial, algo así como una especie de “pecado original”. De igual manera este tipo de críticas hacen creer que la esclavitud y la discriminación tribal y étnica son fenómenos que sólo ocurren de blancos hacia negros.

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Así como califican a Tintin de racista, cazador furtivo, no faltaba que acusaran a su autor de antisemita por haber trabajado para un diario fascista, haber tenido contacto con Leon Degrelle y que su mentor haya sido un colaborador de los nazis. Olvidemos el hecho de que Hergé escribió una novela gráfica llamada “El Cetro de Ottokar” (1939), en el contexto del Anschluss, en el cual una fuerza militar liderada por un militar de nombre “Müsstler” invadía una pequeña nación europea ficticia. El nombre era una contracción de Hitler y Mussolini, y la vestimenta de los villanos, sus uniformes seguía la estética de los uniformes de las fuerzas armadas alemanas de la época, e incluso hasta se presentan máquinas alemanas como el avión Messerschmidt. El contenido del Cetro de Ottokar era una crítica abierta a los regímenes autoritarios de la Europa nacionalista. Sin embargo esto parece ser olvidado por sus críticos quienes se enfrascan en cuadros aislados en los que se retrata a judíos de nariz ganchuda, usando un kippah, frotándose las manos, hablando en acentos regionales muy marcados, o que ocupan posiciones de poder como la del banquero Blumenthal (uno de los villanos en la novela “La estrella misteriosa, 1941) , interpretándolos como un signo de antisemitismo e intolerancia hacia el etnonacionalismo judío imperante.

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La aventura de Tintin en América es una crítica ultra europea y conservadora a la corrupción moral de los hombres, en ella el personaje se enfrenta a un sindicato de mafiosos liderados por Al Capone, y Hergé muestra que en el nuevo mundo, existe una gran degradación moral acrecentada por las oportunidades que da el poder adquisitivo mal habido: La deshonestidad policial y gubernamental de los Estados Unidos de principios de siglo, la conquista del occidente y las tórpidas relaciones entre el gobierno, empresarios y tribus aborígenes americanas que carecían  del conocimiento necesario para el avalúo de los metales preciosos, gemas y del territorio que ocupaban y que cedieron tanto pasivamente como por la fuerza ya que eran unas sociedades cerradas que no intercambiaban entre ellas de forma libre.
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La obra de Hergé es preciosa tanto en su contenido ideático como su estética y visual, ha entretenido a millones de niños y adultos y entretendrá a todos aquellos que tengan la mente suficientemente abierta para ver a este cómic como algo valioso, con el sentido heroico que le pertenece a los personajes de historietas, cuyo valor, audacia, y ganas de vencer se impone ante los múltiples obstáculos a los que se enfrentan en sus aventuras. Tintin, tanto ayer como hoy es objeto de ataques por parte de la prensa liberal por ser considerado “racista”, “anti-comunista”, e incluso hasta “homosexual”. Una de las razones por las cuales Tintin es acusado de posiblemente ser homosexual es porque salvo por Bianca Castafiore, no hay personajes femeninos en la obra de Hergé. El mismo demográfico que busca atacar a Hergé por la “falta de diversidad” en su obra es el mismo que critica a Ayn Rand porque en sus obras no hay personajes de niños. Y la razón es porque tanto Hergé como Ayn Rand prescindieron de mujeres y niños (respectivamente) en sus arcos narrativos porque no eran necesarios para contar la historia que buscaban contar.
El héroe siempre ha sido masculino, la naturaleza de lo heroico es inherentemente masculina, algo que causa mucho escozor y urticaria en la sociedad ginocéntrica en la que hoy vivimos y nos toca habitar. Es por ello que tener a Tintin entre los libros que tu hijo pueda leer es un acto neo-reaccionario, porque las huestes del marxismo cultural quieren acabar con el sentido heroico del superhéroe en su afán patológico de hacernos a todos iguales por la fuerza y la coerción.
Los que no conozcan la obra, les invito cordialmente a leerla, que la disfruten, la comenten y la divulguen, maravillaos viendo la riqueza estética del detalle con el cual Hergé como ilustrador y narrador se destaca, y que si así lo desean, vean el valor metapolítico que este cómic encierra para que comprendan la alharaca que montan los progresistas que carecen de sentido del humor.

Alberto Zambrano

La naturaleza de lo heroico

Hoy en día, en muchas cintas de superhéroes la naturaleza de lo heroico se ha diluido, ha perdido su esencia y ha sido sustituida por otra cosa que no es heroica.

Los ideales heroicos han sido sustituidos por el pacifismo, y el liberalismo que tiende hacia la izquierda, y particularmente por el feminismo y sus nuevas olas, lo vemos en las películas de Hollywood, en los cómics de DC, Marvel, y en las nuevas novelas, pese a que esto tiene un motivo político ulterior muy siniestro, el concepto de lo heroico ha hecho su impronta en las sociedades occidentales.
La idea de lo masculino, de lo heroico en el sentido de Homero a nivel moderno se torna un tanto ridícula cuando al héroe se le pone un disfraz, un leotardo apretado y una capa. Sin embargo, lo heroico sobrevive aun cuando las ideologías se oponen a ello.

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Los grandes iconos de lo heroico en las cintas cinematográficas de los últimos 50 años han sido Clint Eastwood y John Wayne. Y lo lograron interpretando papeles propios de la masculinidad que es afín a la civilización occidental. Eastwood representa y dirige cintas en las que hay personajes individualistas, que buscan sobrevivir y que con frecuencia son personajes autoritarios, con fuerza. Personajes de derecha existencialistas que siempre están en guerra con alguna figura de poder que pertenece a una burocracia y valores que son percibidos como conservadores.

Otro buen ejemplo de la naturaleza heroica la vemos en personajes que Harrison Ford interpretó en la Guerra de las Galaxias (George Lucas, 1977), Cazadores del arca perdida (Steven Spielberg, 1981) y Blade Runner (Ridley Scott, 1982) en los cuales tanto Han Solo, como Rick Deckard e Indiana Jones son personajes que están en conflicto sobre el propósito de su existencia -Han Solo decide dejar su vida de pirata-contrabandista intergaláctico para pasar a ser parte fundamental de una rebelión contra el sistema- Rick Deckard debe lidiar con la existencia de seres humanos y androides que imitan la vida humana, -Indiana Jones debe decidir entre ser un profesor de arqueología en una aburrida universidad para ser un aventurero cazador de tesoros que se enfrenta a grandes retos y enemigos.
Esos personajes necesitan en sus respectivos arcos de historias ser auténticos, conocerse, aceptar sus propios valores y pasar a ser un eslabón en la cadena de la tradición, toda vez que promueven su propio pueblo, son individuos que mueren pero su raza e ideales persisten, su prole puede decepcionarles en la cadena de la tradición pero como individuos, esos personajes están presentes en generaciones futuras y es por ello que la naturaleza de su heroísmo persiste.

Una de las cosas que la izquierda que domina los medios de comunicación busca hacer es re-orientar la naturaleza de lo heroico para que la derecha radical dentro de una sociedad como la norteamericana, (en donde se tienden a desarrollar la mayoría de las historias de superhéroes) sea los enemigos.

Capitán América es un claro ejemplo de ello, el héroe es un hombre prácticamente lisiado y paralizado que no lograría nada hasta que forma parte de un experimento médico en el cual se convierte en un superhombre rubio de ojos azules que se viste con la bandera de EEUU y usa un escudo todopoderoso infranqueable, y su enemigo es un Nazi de calavera roja, un hombre con una cara horrenda que usa una máscara aún más horrenda.
La idea de que personajes existencialistas como Capitán América luchen contra la extrema derecha en concordancia con valores democráticos es uno de los giros interesantes que la izquierda ha utilizado para atacar la verdadera naturaleza de lo heroico. Hoy en día parece haber una ansiedad generalizada por parte las productoras cinematográficas en el afán de promover la democracia y que los personajes de las películas sean demócratas en sus valores.

Han Solo disparó primero

Lo heroico es una idea peligrosa, es una idea que tiene un elemento cuasi-fascista en la cual el héroe debe matar, debe violar ciertas reglas y convenciones para vencer a sus enemigos.

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Y recientemente eso ha querido incluso hasta ser borrado de cintas fenomenales como la Guerra de las Galaxias.
En esa película hay una escena en la cual Han Solo asesina a un caza recompensas llamado “Greedo” en una cantina.
En los círculos de fans de esa película existe un constante debate sobre quien disparó primero, y ese debate George Lucas lo buscó desechar cuando editó la película en 1997 para hacer lucir que Han Solo mató a Greedo después de que éste le disparara y no antes.
Es Hollywood y su estado paternalista los que se adueñaron de la cultura pop y que ha sido votado en elecciones y han obtenido el poder los que han buscado hacerle creer a la gente que Han Solo no es un héroe por matar a Greedo.

Han Solo es un personaje naturalmente heroico: Es valiente, audaz, atrevido, enérgico, inventivo, masculino y decisivo en sus acciones, a diferencia de la gente que está dirigiendo a la civilización occidental, y aun más allá, Han Solo, al igual que la civilización occidental tiene la voluntad de seguir con vida.

En la cinta original de 1977 Han está en una cantina y Greedo le apunta con un arma y lo obliga a sentarse en un cubícalo para conversar sobre el pago de una deuda a un monstruo mafioso llamado Jabba el Hutt, a lo que Han Solo responde matando a Greedo. 20 años después, en la reedición se hace lucir que Greedo, un cazador de recompensas experto, que apunta una pistola a Han Solo a menos de un metro de distancia falla su tiro y que Han lo mata en respuesta. El mensaje que un izquierdista liberal como George Lucas y otros defensores del control de armas quieren enviar con esto es que es mejor ser asesinado, torturado, mutilado o violado y tener un mayor nivel moral siendo la víctima de un crimen horrible que tener el valor de defenderte contra lo que cualquier hombre con dos dedos de frente podría considerar una amenaza.

George Lucas justificó la reedición de la cinta arguyendo que la gente quiere creer que Han Solo es un asesino a sangre fría y no un héroe que mató para sobrevivir, y es por ello que decidió cambiar el pasado igual que Winston Smith cambia los titulares de los periódicos en la novela de George Orwell “Mil novecientos ochenta y cuatro”, en la que Oceanía siempre ha estado en guerra con Asia Oriental. Incluso, hasta el actor que interpretó a Greedo está en desacuerdo con que se haga creer que Han no disparó primero.

Hasta los Ewoks, esas criaturas peludas que vimos luchar en el Retorno del Jedi (Richard Marquan, 1983) en la batalla de Endor, fueron politizados por George Lucas en 2004, cuando distribuyeron una edición especial en DVD de la saga de la Guerra de las Galaxias con comentarios de Lucas sobre la producción en la que dijo que el se había inspirado en la guerrilla marxista vietnamita del Vietcong para desarrollar a los Ewoks, y que el Imperio Galáctico de Palpatine y Darth Vader eran los Estados Unidos de América.

El héroe masculino y la damisela en aprietos son cosa del pasado

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En Cazadores del Arca Perdida, Indiana Jones mata a un musulmán que está blandiendo una cimitarra enorme con la cual amenaza decapitarlo porque está en búsqueda de Marion Ravenwood, una damisela en aprietos que fue secuestrada por los villanos de la historia.

Que una mujer exhiba características femeninas en una cinta de acción hoy día es algo mal visto y un modelo a seguir negativo

Hoy en día, en esta sociedad pasiva, dependiente, de hombres cobardes, neuróticos y castrados es prácticamente imposible ver tramas de héroes con estas características, la iconografía de la naturaleza de lo heroico está siendo borrada y tiene que ser borrada desde un punto de vista ideológico por parte de los izquierdistas que dirigen las productoras cinematográficas con la intención política de adueñarse de la cultura pop.

Los personajes femeninos en las nuevas cintas de acción y aventura son irreales, retratan a mujeres en roles centrales que tienen por lo menos cinco características fundamentales:

  1. La mujer debe físicamente someter y darle una brutal paliza a un hombre el doble de su tamaño.
  2. La mujer debe tener un mejor desempeño que su contraparte masculina, menospreciarlo, regañarlo o de alguna forma derrotarlo en una batalla de ingenios, sumado a que los personajes femeninos de forma rutinaria deben hablar mal de los personajes masculinos, burlarse de ellos para su placer sin ningún tipo de repercusión hacia ellas.
  3. La mujer debe ser presentada en varias situaciones y predicamentos como un personaje incapaz de fallar, lastimarse, luciendo absolutamente increíble, dura, y fuerte.
  4. El personaje femenino debe poseer una maestría sin parangón en aspectos en los que en la vida real son dominados por hombres de forma abrumadora, entiéndase: combate físico, tecnología, ciencias informáticas, o lo que sea relevante para la historia que se desea narrar.
  5. Y por sobre todas las cosas no se debe retratar a las figuras femeninas en las películas actuales como seres que puedan tener y exhibir algún tipo de debilidad, vulnerabilidad, que sean capaces de poder emerger de forma victoriosa de cualquier encuentro o duelo con omnipotencia.

La femme fatale y las chicas Bond ha cambiado en su rol protagónico desde los tiempos de las primeras películas de 007, Black Widow de Los Vengadores (Josh Whedon, 2012) cumple con esos postulados cuando derrota a tres hombres a golpes estando atada en una silla usando un vestido, Claire Dearing, interpretada por Bryce Dallas Howard corre en tacones por el mundo infestado de dinosaurios en Jurassic World (Colin Tevorrow, 2015) .

El caso de la nueva entrega de la Guerra de las Galaxias: El Despertar de la Fuerza (JJ Abrams, 2015) está repleto de la narrativa de izquierdas que Hollywood le busca meter hasta por los codos a los espectadores, se cambia por completo los roles masculinos y femeninos, y hasta su director se vanaglorió de decir que el elenco de la cinta era diverso (es decir que el elenco tiene menos hombres blancos heterosexuales).

Exploremos un poco cómo se introduce la agenda política en una película de ciencia ficción:

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El personaje de central tiene un nombre masculino (se llama “Rey”) es una mujer que en las catorce horas de desarrollo de la historia de la Saga, se presenta como el personaje menos desarrollado y con más poder de toda la saga, mientras Luke Skywalker debió esperar 2 películas, entrenar con Yoda y perder una mano en combate con Darth Vader para dominar el Sable Láser, Rey lo logra en menos de dos horas de la película en la que derrota a Kylo Ren.
Mientras Anakin Skywalker, es el único piloto humano en las carreras de pods en La Amenaza Fantasma (George Lucas, 1999), su conocimiento de mecánica y robótica se ha ido desarrollado con el pasar del tiempo en el arco de la historia sobre la cual se desarrolla la saga, logra aprender a manejar naves, construir a C-3PO, incluso tras años de entrenamiento es que logra derrotar al Conde Dooku en Geonosis.

Rey en El despertar de la fuerza llega incluso a saber más sobre cómo se maneja la legendaria nave espacial de Han Solo, El Halcón Milenario que el mismo Han, que la ha tenido durante años, hace lucir a Finn, el personaje negro, como un idiota que no tiene idea de dónde está parado durante secuencias de combate.

Si a esto le sumamos el hecho de que hay una enorme cantidad de actrices blandiendo pistolas láser y peleando como si fueran hombres pues es muy sencillo ver cómo Hollywood busca llevar a los espectadores fuera de la realidad. Lo masculino de lo heroico ha sido sustituido por mujeres que se comportan como hombres, muestran una fuerza increíble que jamás podrían tener.
En la vida real las mujeres no desean comportarse de esta forma, y los hombres jamás buscarían acercarse y procrear con mujeres de características y procederes masculinizados.
Retratar a mujeres en este tipo de roles es mera ingeniería social con ideas feministas que buscan adoctrinar al espectador.

Yo soy de los que piensa que pese a que Hollywood busque adoctrinarnos debemos disfrutar las distintas cintas que se expongan en las salas de cine, y luego tomarnos el tiempo de analizarlas. Yo soy de los que piensa que existe una fuerza positiva y una fuerza negativa oscura. Que la lucha entre el bien y el mal va más allá de las salas de cine y las podemos ver en nuestra vida, y que ambas fuerzas pueden unirse y ser usadas de forma creativa y basarse en roles que busquen reforzar la identidad grupal y cultural de una sociedad. Esto, sin embargo es una noción peligrosa, y no la encontraremos en los filmes mainstream, no lo veremos en Capitán América e Indiana Jones luchando contra nazis, por ejemplo. Pero esos personajes tienen formas que tienen un significado heroico que es rescatable.

Friedrich Nietzsche escribió al final de Así hablaba Zarathustra que hay dos cosas que los hombres necesitan en su vida: coraje y conocimiento.
y es por ello que Zarathustra tiene dos amigos, un águila que representa el coraje y una serpiente que representa al conocimiento, la sabiduría. Y si se combinan ambas ideas y se sintetizan se tiene un nuevo tipo de hombre y un nuevo tipo de futuro. Y es por eso que Nietzsche eligió que fuera un gran sabio persa como aquel que explicara su forma particular de ver la verdad, porque en el pasado éste representaba un dualismo extremo, pero en el futuro, Nietzsche quería retratar que esas dualidades se podían  juntar y combinar como una fuerza heroica.

 

Ghost in the Shell

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Recientemente leí en el súper liberal comunista Los Angeles Times un artículo que critica la decisión del estudio de Hollywood DreamWorks de emplear a Scarlett Johansson para el rol de Kusanagi en la adaptación de Ghost in the Shell por ser blanca y colocarla en un elenco en el que habían actores asiáticos. Más allá del hecho de que quien escribió el artículo está discriminando a Scarlett Johansson por ser blanca  y eso automáticamente no la hace capaz de interpretar dicho rol.

El llamado de los medios en la costa oeste de EEUU a incorporar el multiculturalismo en las películas es una tendencia que causa demasiado tedio. Si bien hay muchos actores asiáticos en su medio y en su mercado que interpretarían muy bien al personaje principal de Ghost in the Shell, debemos entender la función empresarial del negocio de las películas de EEUU, dirigido a un público en su mayoría blanco.

Querer imponer esa igualdad a la fuerza solo crea más discriminación..
Ahora escribiré un poco sobre este manga que me gusta mucho.

Ghost in the Shell es un manga escrito e ilustrado en 1989 por Masamune Shirow, publicado por Kodansha, contaba la historia de una organización anti-terrorismo liderada por un cyborg femenino llamado Motoko Kusanagi.
En 1995 surge una adaptación de anime del mismo nombre a cargo del estudio de animaciones Production I.G. Después, en 2002, surge una serie de televisión que cuenta una historia paralela del manga y la primera cinta, y en 2013 se editan cuatro episodios.

La narrativa de intriga política, espionaje, terrorismo, violencia, sexualidad, tecnología en un mundo futurista post-cyberpunk del año 2029 que propone enormes avances tecnológicos y científicos, toda vez que se contrapone a cambios radicales en el orden y jerarquía social.
El mundo de Ghost in the Shell narra la vida de hombres que dependen de implantes cibernéticos para sobrevivir, inteligencia artificial y robots capaces de sentir emociones.

Los aspectos filosóficos de Ghost in the Shell son profundos, por una parte es fundamental entender que la cultura japonesa es única entre las culturas asiáticas, para nosotros los occidentales es difícil entenderla y poder hacer conceptos de ella. Una de las cosas más brillantes sobre Japón es que mucho del material que está vetado en nuestra civilización occidental está ampliamente disponible allí. En cuanto a pornografía se refiere existen muy pocas restricciones, y en el mundo del manga, hay increíblemente temas que serían tabú retratarlos y explorarlos en el mundo del cómic en lo que a términos occidentales se refiere, para los japoneses es mejor exteriorizar fantasías peligrosas, actos horrendos al demarcarlos en cómics que reprimirlos y vivir con ellos. Es una cultura de extremo control que vive con la posibilidad de coexistir con extrema violencia y caos.

La sociedad japonesa es una sociedad extraña en términos occidentales porque la dialéctica que se mueve dentro de ella son oposiciones y altamente diferenciadas a aquellas de occidente, y ése es uno de los temas que usa el autor de Ghost in the Shell, el concepto de que la mente puede trascender más allá del cuerpo, que ese “fantasma” puede habitar objetos mecánicos es una temática recurrente en esta historia.

Motoko Kusanagi es capaz de reproducir los estímulos de sus órganos para mantenerse como un fantasma a lo largo de la historia. Ella recibe daños durante combates con terroristas y máquinas, es reparada y refaccionada toda vez que es capaz de mantener las emociones propias de un ser humano.
En el mundo de Ghost in the Shell, la información es un impulso digital capaz de ser guardado en un súper computador y transferido de un hardware a otro, la mente humana también puede ser transferida no sin antes sufrir alteraciones tras pasar de un recipiente material a otro. Ese es un concepto que en términos japoneses contrasta mucho con la idea de la pureza del espíritu, propio del orden jerárquico y familiar japonés, de la veneración de los ancestros.  Shirow desarrolla este aspecto de la pureza espiritual y lo lleva aún más allá al fundirlo con la integridad corporal que en términos japoneses debe tener el hombre.

Las organizaciones criminales y personajes que Kusanagi combate buscan transferir la mente de un cuerpo a otro, en el mundo de Ghost in the Shell, hay un personaje llamado “El Titiritero”, que busca fusionarse con Kusanagi y tomar el control de ella.
Estos aspectos filosóficos y espirituales son muy radicales en una sociedad tan conservadora como la japonesa, es por ello que culturalmente los japoneses son capaces de producir este tipo de obras que son tan entretenidas visualmente como metapolítica y filosóficamente profundas.

La principal cuestión que plantea Ghost in the Shell es ésta:

¿Cuál es la diferencia entre humanos y máquinas cuando las diferencias entre ambos son más filosóficas que físicas?

Esta es una pregunta muy difícil de responder en términos occidentales.

Es prácticamente imposible desprenderte de tu propia cultura y ver otra cultura altamente avanzada y tecnocráticamente excelente que tenga un sentido del arte tan estéticamente desarrollado como el de esta sociedad milenaria, que mira hacia su pasado y basa sus creencias en axiomas que son fundamentalmente distintos a los de la civilización occidental.

Más allá de entretenernos con lo que vemos, también vale la pena escudriñar un poco sus orígenes, el manga y anime está repleto de ejemplos que plantean esta interrogante y los recomiendo ampliamente: series como Neon Genesis Evangelion, Those who Hunt Elves, Saber Marionette son ejemplos en los cuales la visión japonesa del alma contrasta con los axiomas occidentales de lo que nos identifica como cultura y sociedad y que valen la pena explorar para aprender de ellos al tiempo que nos entretenemos.